El artista Santo Guichon "Ether" (La 5ta esencia de la materia) performance tribal en el MUNAL Museo Nacional de Mexico 2021

"Ether"

 Santo Guichon perfomance la con su pieza la "5ta esencia de la materia" (ether) en plena acción dentro del museo Nacional de Mexico apoyado por INBA Instituto Nacional de Bellas Artes. 

En la imagen, además de Santo Guichon interpretando al Eter, se pueden observar varios elementos artísticos interesantes. Hay dos figuras con cabezas de cajas pintadas con colores y patrones llamativos, lo que sugiere una representación de arte de calle o un performance artístico. La iluminación azulada y el entorno urbano nocturno crean un ambiente que podría estar relacionado con la tecnología o la cibernética. También se puede ver un objeto que parece ser una especie de proyector o dispositivo con símbolos binarios, lo que podría estar relacionado con la tecnología o la programación informática. El entorno y los elementos visuales sugieren una atmósfera de ciencia ficción o una reflexión sobre la relación entre la tecnología y la humanidad.

La iluminación azulada en el performance artístico puede tener varios significados y funciones, algunos de los cuales son los siguientes:

Simbolismo y emociones

•  Calma y serenidad: El azul es asociado con la tranquilidad y la serenidad, puede ayudar a crear un ambiente relajado y pacífico en el performance, conectando al público con un estado de ánimo más introspectivo y reflexivo.

•  Misterio y profundidad: El azul oscuro o azul profundo puede evocar un sentimiento de misterio y profundidad, sugiriendo lo desconocido o lo trascendente. En un performance que representa al Eter, podría simbolizar la infinitud y lo inescrutable del universo o la conciencia.

•  Espiritualidad y conexión superior: En algunas culturas y creencias, el azul se vincula con lo sagrado y lo divino. Puede representar la conexión entre el cuerpo y el espíritu, la búsqueda de la iluminación espiritual y la unión con algo más allá de uno mismo.

Contexto temático y conceptual

•  Tecnología y ciencia ficción: El azul es un color comúnmente asociado con la tecnología y la ciencia ficción. En un performance que explora la relación entre tecnología y humanidad, la iluminación azulada puede evocar imágenes de circuitos electrónicos, pantallas digitales y máquinas futuristas, reflejando un entorno tecnológico y posiblemente una reflexión crítica sobre su impacto en la sociedad y en la existencia humana.

"URREALISMO Y SURREALISMO"

El azul puede contribuir a crear un ambiente surrealista o onírico. Al distorsionar los colores y las sombras de los objetos y figuras, puede alterar la percepción de la realidad y sumergir al espectador en un mundo de fantasía, lo que puede ser coherente con una representación artística que busca trascender lo cotidiano y explorar dimensiones alternativas.

"TIEMPO Y MEMORIA"

El azul se ha asociado con la idea del tiempo y la memoria. Puede evocar sensaciones de nostalgia o de un pasado lejano, lo que podría ser útil si el performance aborda temas relacionados con la temporalidad, la evolución de la humanidad o la recuerdo colectivo.

Función estética y visual

•  Contraste y enfoque: El azul puede proporcionar un contraste visual con otros elementos del escenario. Al iluminar ciertas áreas o figuras con luz azulada, el artista puede guiar la atención del público hacia puntos específicos, resaltando detalles clave o creando un patrón visual interesante.

•  Ambiente inmersivo: Al inundar el escenario con luz azulada, se puede generar un ambiente inmersivo que envuelve al espectador, intensificando la experiencia sensorial y la conexión con el performance. Esto puede ser especialmente efectivo en performances que buscan desafiar los límites entre el arte y la realidad, sumergiendo al público en un mundo artístico total.

En el caso particular del performance de Santo Guichon representando al Eter, la iluminación azulada podría estar enfatizando la naturaleza etérea y trascendental de este ser, así como la exploración de temas como la tecnología, la conciencia y la existencia humana en un contexto de ciencia ficción y arte contemporáneo.

La representación del elemento "Tierra" en el MUNAL 

La imagen presenta una escena performática en el contexto del Museo Nacional de México, donde dos figuras idénticas representan un elemento simbiótico con la tierra a través de máscaras artísticas. A continuación, una crítica visual:

1. Símbolos y simbolismo terrenal

Las máscaras, con sus tonos ocre, rojo y verde, evocan la gama cromática de la tierra: rocas, barro y vegetación. Los ojos espiralados (en rojo intenso) sugieren una conexión con la energía vital y el ciclo natural, mientras que los cuadrados verdes podrían simbolizar semillas o cicatrices, reforzando la idea de regeneración. Las estructuras geométricas (triángulos, líneas) remiten a la arquitectura precolombina (como los templos mesoamericanos), vinculando el elemento tierra con la ancestralidad cultural mexicana.

2. Dualidad y multiplicidad

La duplicación de la figura —un recurso estético que puede interpretarse como un juego de reflejos o sombras— enfatiza conceptos como dualidad (luz-oscuridad, vida-muerte) y la naturaleza colectiva del espíritu terrenal. Si bien las figuras son idénticas, su disposición asimétrica evita la rigidez, sugiriendo movimiento orgánico.

3. Contraste entre lo natural y lo artificial

Las cabellos enmarañados y el maquillaje oscuro contrastan con la textura rugosa de las máscaras, que parecen hechas de madera o arcilla. Esta dicotomía podría interpretarse como una crítica a la intervención humana en la naturaleza, resaltando la belleza cruda y la fragilidad del elemento tierra.

4. Atmósfera y contexto museográfico

El uso de luces azules y tenues crea un ambiente casi ritualístico, ideal para performances que dialogan con lo sagrado. El fondo desenfocado del museo (con sus columnas y vitrinas) actúa como un lienzo neutro que eleva la presencia performática, integrándola al espacio sin competir visualmente.

5. Movimiento y quietud

La postura de las figuras, erguidas y frontales, transmite una quietud ritualística, aunque el diseño angular de las máscaras y su disposición hacia el exterior insinúan una energía expansiva, como si la tierra "hablara" más allá de su materialidad.

Cuestiones críticas:

•  Repetición vs. originalidad: La duplicación puede diluir el impacto simbólico si no se justifica narrativamente.

•  Contexto museográfico: La escenografía podría verse opacada por la arquitectura del museo si no se integra activamente al espacio.

•  Interpretación del elemento tierra: Aunque evocador, el discurso visual podría ser más explícito en su relación con problemáticas contemporáneas (e.g., cambio climático).

Conclusión:

La performance utiliza recursos visuales potentes para evocar la conexión entre la tierra y la identidad cultural mexicana, aunque su éxito dependerá de cómo articule su mensaje más allá de la estética ancestral. La duplicación de la figura y el diseño de máscaras logran una tensión entre lo sagrado y lo profano, ideal para una reflexión eco-filosófica.

La representación de la tierra a través de máscaras en un contexto museográfico puede tener múltiples significados e interpretaciones, a continuación se detallan algunos de ellos:

1. Conector cultural e histórico

Las máscaras son un elemento cultural potente que ha sido utilizado a lo largo de la historia por diversas culturas como instrumentos rituales, simbólicos y de representación. En el contexto mexicano, las máscaras prehispánicas y de tradición indígena tienen un profundo significado cultural y religioso. Su presencia en un museo puede actuar como un puente entre el pasado y el presente, resaltando la continuidad cultural y la conexión con las raíces históricas del territorio mexicano. Por ejemplo, en el Museo del Templo Mayor se exhibe una máscara de piedra olmeca que data de alrededor de 800 a. C., y que posteriormente fue utilizada en ofrendas aztecas, mostrando así la importancia de la tierra y sus elementos en la religión y la vida cotidiana de antiguas civilizaciones mexicanas.

2. Simbolismo terrenal y espiritual

La tierra es un elemento fundamental que ha sido venerado en diversas culturas, y en el caso de México, está profundamente ligada a las creencias y prácticas de los pueblos originarios. Las máscaras que representan la tierra pueden ser portadoras de un simbolismo espiritual y religioso que refleja la relación de los seres humanos con la naturaleza y el cosmos. Pueden evocar conceptos como la fertilidad, la vida, la muerte y la regeneración, elementos que están intrínsecamente relacionados con la tierra. En este sentido, la máscara actúa como un conducto para conectar con lo sagrado y lo terrenal, permitiendo a los visitantes del museo reflexionar sobre su relación con la naturaleza y su lugar en el planeta.

3. Elemento de resistencia y identidad

En un contexto de globalización y cambios culturales, la representación de la tierra a través de las máscaras en un museo también puede ser un acto de resistencia cultural y un mecanismo para afirmar la identidad. Al rescatar y dar relevancia a elementos culturales como las máscaras, se está reconociendo y preservando la riqueza y diversidad de las tradiciones mexicanas, enfrentándolas a la presión de la homogeneización cultural. Las máscaras se convierten así en un símbolo de identidad colectiva y un recordatorio de la importancia de preservar las raíces culturales.

4. Narrativa y comunicación de ideas

En el ámbito museográfico, las máscaras pueden ser herramientas narrativas que permiten transmitir ideas y conceptos de manera visual y sensorial. A través de su diseño, colores, texturas y formas, las máscaras pueden contar historias sobre la tierra, sus recursos, sus bellezas y sus problemas. Pueden ser parte de una exposición que aborde temas como la ecología, la preservación del medio ambiente o la relación entre la naturaleza y la sociedad. En este sentido, la máscara actúa como un medio de comunicación que complementa y enriquece la información escrita y audiovisual presentada en el museo.

5. Elemento estético y artístico

Además del valor simbólico y cultural, las máscaras también pueden ser apreciadas por su valor estético y artístico. Su diseño, colores y técnicas de elaboración pueden ser un reflejo de la creatividad y el arte de diferentes épocas y culturas. En el contexto de un museo, las máscaras pueden ser exhibidas como obras de arte que demuestran la habilidad artesanal y la imaginación de los pueblos mexicanos. su presencia puede enriquecer la experiencia estética de los visitantes y fomentar el aprecio por la belleza y la originalidad de las expresiones artísticas mexicanas.

6. Interacción y participación

Cuando las máscaras son parte de un performance en el museo, como en el caso mencionado anteriormente, su representación puede ser una forma de involucrar activamente a los visitantes en la experiencia. El uso de máscaras en una performance puede transformar el espacio museográfico en un escenario interactivo y vivencial, donde los asistentes pueden conectarse de manera más directa con los conceptos y valores representados. La participación sensorial y emocional que puede generar un performance con máscaras puede ser más potente que la contemplación pasiva de objetos expuestos en vitrinas, facilitando así una mayor comprensión y empatía hacia el tema de la tierra y su importancia.

En resumen, la representación de la tierra mediante máscaras en un contexto museográfico puede ser una estrategia efectiva para transmitir y explorar conceptos culturales, espirituales y ambientales relacionados con este elemento esencial. Las máscaras actúan como puente entre pasado y presente, entre tradición y contemporaneidad, y entre lo tangible y lo intangible, ofreciendo así una experiencia enriquecedora y multidimensional a los visitantes del museo.